Шпаргалка по "Истории Искусств"

Сюжетно-тематическая картина - смешивание традиционных жанров живописи (бытового, исторического, батального, композиционного портрета, пейзажа и др.), возникшее в советском искусствознании и в художественной практике 1930-х гг

Хуа Няо (в переводе с кит. птицы и цветы) - жанр китайской живописи, изображающий птицы и цветы

Шань шуй (в переводе с кит. горы и вода) - жанр китайской живописи, изображающий горы и водопады

2. Специфика портретов В. Серова

Высшими достижениями раннего  периода являются портреты-картины "Девочка с персиками" (1887), "Девушка, освещенная солнцем" (1888; обе в  Третьяковской галерее). В этих произведениях  Серов, воспевая юность и красоту, видел  главную свою задачу в непосредственности восприятия модели и природы и  их убедительном пластическом истолковании. В разработке света и цвета, в  передаче сложной гармонии рефлексов, в насыщении среды воздухом, в  свежести живописного восприятия мира проявились черты раннего русского импрессионизма. С начала 1890-х годов  портрет стал основным жанром в творчестве Серова, приобретая новые черты: психологически заостренную характеристику человека и активно выявленное в нем  артистическое начало. Излюбленными моделями Серова становятся артисты, художники, писатели (портреты А. Мазини, 1890, Ф. Таманьо, 1893, К. А. Коровина, 1891, И. И. Левитана, 1893, Н. С. Лескова, 1894, Н. А. Римского-Корсакова, 1898, - все в Третьяковской галерее).

Отказавшись от многокрасочной, сочной по цвету живописи второй половины 1880-х годов, Валентин Серов теперь предпочитал одну доминирующую гамму черно-серых или коричневых тонов, стал пользоваться более широким мазком, способствующим остроте передачи натуры. Импрессионистические черты в живописи Серова сказываются подчас лишь в композиционном построении портрета, характере движения модели портретируемого. В этих правдивых, совершенных по композиции и живописному исполнению произведениях, Серов всё более последовательно использовал линейно-ритмические начала и декоративные цветовые сочетания. Одновременно в творчестве Серова развивалось другое, противоположное направление: он часто писал интимно-задушевные, камерные портреты, преимущественно детей и женщин. В портретах детей Серов стремился характерностью позы и жеста, всем цветовым решением выявить и подчеркнуть непосредственность внутреннего движения, душевную чистоту и ясность мировосприятия ребёнка ("Дети", 1899, Русский музей; "Мика Морозов", 1901, Третьяковская галерея). В 1890-х - начале 1900-х годов Серов часто обращался к пейзажно-жанровым композициям на крестьянские темы. Небольшие картины, выдержанные в единой тёплой серо-коричневой гамме, лишены повествовательных элементов - скромный пейзажный мотив передаёт настроение тихой и грустной сосредоточенности. Портрет Николая II, Великий князь Павел Александрович, Портрет Иды Рубинштейн.

Билет 30

1. Архитектурные  понятия Древней Греции

Архитектурный ордер (лат. ordo — строй, порядок) — тип архитектурной композиции, использующий определенные элементы и подчиняющийся определенной архитектурно-стилевой обработке. Является воплощением стоечно-балочной системы, тектонически состоящей из вертикальных (колонны, пилястры) и горизонтальных (антаблемент) элементов. Появился в Древней Греции. Название ордер происходит от латинского «ordo» — строй, порядок, впервые было употреблено теоретиком архитектуры второй половины I века до н. э. Витрувием, автором трактата «Десять книг об архитектуре».

Различают пять классических ордеров: дорический, ионический и коринфский возникли в Древней Греции, тосканский и композитный — в Древнем Риме. Коринфский в Древней Греции почти не применялся и стал распространен в Древнем Риме.

Первым появился дорический ордер в VI веке до н. э.. Потом получили распространение другие, ионический, коринфский, в Древней Греции и Риме их применение было повсеместным. В средние века классическая архитектура была на время забыта. Только в XV веке был снова возвращен интерес к ней. Популярность приобрел трактат «Десять книг об архитектуре» — единственная сохранившаяся античная работа не могла быть оставлена без внимания. Многие деятели искусства принялись исследовать античность, классифицировать каноны. Например труды по этой теме были составлены такими известными теоретиками как Леон Баттиста Альберти, Антонио Филарете, Франческо ди Джорджо, Джакомо да Виньола (предложил классификацию в пять ордеров), Андреа Палладио. В своем подходе и выводах труды различались. Традиция украшать архитектуру ордером устоялась на протяжении XV-XIX веков, в архитектуре Возрождения, барокко, классицизма. Классицизм вновь обратился к пропорциям возрождения, ушел от кривых линий барокко и излишней декоративности рококо. В 1830-х годах он стал уступатьисторизму, то есть концепции точного повторения элементов предыдущих веков, часто используя разностилевые элементы в одной постройке, что получило название эклектика. Однако в XIX векетакой подход был поставлен под сомнение: избыточность украшений не соответствовала техническим реалиям^[1].

Также исследователи называют ордерами другие каноны в стилевом решении архитектуры, например гигантский ордер (колонны через несколько этажей) или раскрепованный ордер (колонны перед фасадом держат только отрезки антаблемента, но не несут всю его нагрузку). Можно выделить следующие главные элементы греческого ордера Основание называется стереобат и располагается на верхнем ряде кладки фундамента, несколько приподнятом над уровнем земли. Верхняя часть стереобата называется стилобат, иногда так называют только поверхность ступени, на которой стоят колонны. Вертикальные опоры — колонны, служащие главным несущим элементом конструкции. Верхняя завершающая часть, несомая часть конструкции, называемая антаблемент, который разделяется на следующие части: карниз — верхняя часть антаблемента, над которой располагается кровля. фриз — средняя часть антаблемента, расположена между карнизом и архитравом, несет по большей части декоративную смысловую нагрузку. архитрав — главная балка, которая располагается непосредственно на колонне.

 
АКРОПОЛЬ — укрепленная часть города в Древней Греции; располагалась, как правило, на возвышении, над нижним городом. АНТАБЛЕМЕНТ — верхняя несомая часть ордера, делится по вертикали на нижнюю часть — архитрав, лежащей на капителях колонн или на стене, среднюю — фриз и верхнюю — выступающий вперед карниз. КАПИТЕЛЬ — верхняя часть колонны, пилястры, столба. КРЕМЛЬ (до XIV в. — детинец, город, град) — ядро, центральная часть древнерусских городов, обнесенная крепостными стенами с башнями; комплекс оборонительных дворцовых и церковных сооружений; определял планировку и силуэт города. ОРДЕР — важная тектоническая система, применявшаяся в классической архитектуре, художественно-архитектурный образ стоечно-балочной конструкции, делящейся по вертикали на опору, несущую и несомую части. Известны две системы ордеров — греческая и римская. СВОД — образующее вогнутую криволинейную поверхность перекрытие помещений, опорные точки которого находятся ниже всех остальных точек его поверхности; наиболее характерны для классической архитектуры цилиндрический свод и купол. ФУСТ — часть колонны, вертикально расположенный стержень, увенчанный капителью и опирающийся на базу. ФАСАД — внешняя сторона здания; различают главный, боковые и задний, уличные, дворовые, садовые фасады. ФРОНТОН — торец двускатной крыши или свода, а также его имитация, в отличие от щипка отделен от расположенной под ним стены горизонтальной полосой карниза. Обрамленное карнизами поле фронтона называется тимпан. ХРАМ — архитектурное сооружение, используемое для богослужений. Их строительству предшествовали алтари (на открытом воздухе) для жертвоприношений. Древнейшие культовые постройки — мегалиты, дольмены, кромлехи, египетские храмовые комплексы, шумерские зиккураты, чайтья — индийские храмы-молельни, шиши при гробницах — китайские каменные залы. Позже появились античные храмы, иудоистские синагоги, христианские базилики, соборы, церкви и часовни, мусульманские мечети. 

2. Портреты Брюллова:

Творчество Брюллова внесло в живопись русского классицизма  струю романтизма, жизненности. Произведения Брюллова отмечены утверждением чувственно-пластической красоты человека ("Вирсавия", 1832), драматической напряженностью образов ("Последний день Помпеи", 1830-33), реалистическими тенденциями, тонким психологизмом (портрет М. Ланчи, 1851, автопортрет, 1848). Блестящий мастер парадного портрета ("Всадница", 1832). Портрет остается той областью, где талант Брюллова царствует полновластно и блистательно. Он по-прежнему пишет бравурные светские портреты, впечатляющие своими сильными красочными и композиционными эффектами ("Графиня Ю. П. Самойлова, удаляющаяся с бала с приемной дочерью А. Паччини", около 1842, Русский музей). Иное, созерцательно-спокойное настроение доминирует в образах людей искусства, более сдержанных по колориту, который как бы мерцает изнутри формы, подчеркивая духовную значительность моделей ("Поэт Н. В. Кукольник", 1836; "Скульптор И. П. Витали", около 1837, оба — в Третьяковской галерее; "В. А. Жуковский", 1837-38, Киевский музей Т. Г. Шевченко; "И. А. Крылов", 1839, "А. Н. Струговщиков", 1840, оба — в Третьяковской галерее). К данному циклу примыкает и "Автопортрет" (1848, Третьяковская галерея), написанный теплым тоном и легкой кистью, но проникнутый настроениями глубокой меланхолии, усталости и нездоровья.

С 1849 Брюллов, слабея от болезни, живет на о. Мадейра, а с 1850 — в Италии. И в последний период своей жизни мастер создает экспрессивные, полные тонкой духовной грации портреты ("Археолог М. Ланчи", 1851, Третьяковская галерея; неоконченная картина "Дж. Титтони в образе Жанны д`Арк", 1852, частное собрание, Рим), согретые поэтичным юмором зарисовки народного быта.

Билет 29

1. Разновидность  портретов 18 ст в России

Начиная с Петровского  времени развитие портрета идет по трем основным линиям:

1)Архаизирующее искусство,  связанное с провинциальным, т. н. «художественным примитивом». В нем ощущается стиль рубежа еще XVII—XVIII веков, влияние национальной школы парсуны. (Аналогичные явления характерны для большинства стран, которые переходят от Средневековья к Новому времени). Парсуна сыграла важную роль — она явилась передатчиком основных черт нового портретного метода, который в русских условиях трансформировался на собственный лад. Портреты, принадлежащие к этой линии, отличаются большими размерами, композиционными схемами, заимствованными у парадных полотен Западной Европы XVII века, импозантностью и внушительностью, строгой социальной маркировкой и «важной немотой». Модели, изображённые на токих портретах, воплощают практически иконное индифферентное предстояние. Живопись в них сочетает объемное и конкретное лично́е письмо с плоскостными «доличностями» — как это было и в парсуне. Парсуна вывела русскую живопись на дорогу станковизма — придала ему не только черты сходства, но и картинности, придала ей место в формирующемся светском интерьере. Но к концу 1710-х гг. портреты в этом стиле перестали удовлетворять заказчиков из-за своей тяжеловесности, косноязычия и архаизма,

2) россика представлена иностранными художниками, которые работали в России в течение всего XVIII века. Эта линия неоднородна по национальному составу и качественному уровню. Она ближе к магистральному потоку русского портрета, её задача — экспонировать местную модель на общевропейский лад. Благодаря россике осуществляется контакт русского искусства с искусством соседних стран — на уровне типологии, стиля и формирования общих критериев художественного качества.

3) собственно отечественная  школа (Иван Никитин, Андрей Матвеев, Иван Вишняков, Алексей Антропов, Иван Аргунов). Их работы отличаются мастерством и точностью в передаче внешности, хотя не достигли полного совершенства. (Из следующего поколения к ней принадлежали Рокотов,Левицкий, Боровиковский). Эта магистральная линия отличается преемственностью. При этом она обладала внутренним единством — сначала она была направлена на овладение основными художественными принципами Нового Времени, затем, догнав их, стала развиваться в соответствии с общеевропейскими стилевыми тенденциями (барокко, рококо, классицизм, сентиментализм, предромантизм).

Специфической особенностью типологии русского портрета XVIII века является отсутствие или же крайняя  редкость группового (в том числе  семейного) портрета, который в ту же эпоху являлся очень показательным  для Англии и Франции того же времени; а также отсутствие «сцен собеседования»^[13]. Вплоть до 2-й пол. XVIII века отсутствовал скульптурный портрет. К концу XVIII века русский портрет по своему качеству сравнялся с современными ему мировыми образцами. Его представителями являются Фёдор Рокотов, Дмитрий Левицкий, Владимир Боровиковский, в гравюре — Федот Шубин. Генеральная линия развития официального портрета большого стиля была представлена в конце столетия произведениями Степана Щукина (1762—1828). Левицкий и Рокотов проделывают путь от парадного и полупарадного портрета к камерному. К концу века русской портретной школе свойственна деликатность, подчеркнутая вдумчивость, сдержанная внимательность, некая добропорядочность и благовоспитанность без потери элегантности.

2. Творчество Рубенса. Барокко.портрет.пейзаж. ист живопись.

Рубенс Питер  Пауль (1577-1640). плодовитыйюжнонидерландский (фламандский) живописец, как никто другой воплотивший подвижность, безудержную жизненность и чувственность европейской живописи эпохи барокко. Творчество Рубенса — органичный сплав традиций брейгелевского реализма с достижениямивенецианской школы. Хотя на всю Европу гремела слава его масштабных работ на мифологические и религиозные темы, Рубенс был также виртуозным мастером портрета и пейзажа.  
Глава фламандской школы живописи. Был художником огромного темперамента. Дипломат, ученый-гуманист, знал несколько языков. Его искусство реалистично, несмотря на некоторую декоративность. На его полотнах - герои античных миров, христианских легенд, современные ему общественные деятели, люди из народа. Алтарные композиции:"Воздвижение креста", "Снятие с креста". 
Картины: "Вакханалия", "Охота на кабана", "Охота на львов". Расцвет живописного искусства: "Персей и Андромаха", "Жизнь Марии Медичи" для украшения Люксембургского дворца, "Автопортрет", "Портрет дочери". В поздний период проявилась некоторая парадность творчества художника. Петер Пауль Рубенс-«Праздник Венеры» «Венера и Адонис» «Суд Париса» «Сад любви» «Святой Иероним» «Пейзаж с радугой» «Три грации» «Вакханалия» «Распятие» «Мадонна со святыми» «Персей и Андромеда» «Туалет Венеры» «Падение титанов».

Билет 28

1. Представители  англ живописи 18 ст

Победа буржуазной революции  вызвала бурный рост производительных сил, власть короля ограничена. Если в 16 веке, 17 веке ведущее положение  в живописи Англии занимали иностранцы (Ганс Гольбейн, Ван Дейк), то в 18 веке английское искусство выделило целую плеяду талантливых художников.