Музыканты Верхневолжья

В 1883 году Андреев занялся  усовершенствованием народных великорусских  музыкальных инструментов.

В 1884 году он отважился выступить  в качестве солиста-балалаечника в  благотворительном концерте в Самаре, а в 1886 году с новой, улучшенной в  акустическом отношении балалайкой дебютировал в Петербурге в зале Благородного собрания. Незаурядная  одаренность и обаяние в сочетании  с аристократическим лоском быстро превратили Андреева в кумира великосветских салонов и законодателя мод.

В 1887 году по чертежам Андреева создана хроматическая балалайка  и ее разновидности: пикколо, прима, альт, и бас, издана первая «Школа для  балалайки», открыты классы игры на ней в Соляном городке в  Петербурге, организован «Кружок  любителей игры на балалайках». Выступление  этого Кружка в зале Городского Кредитного общества в Петербурге 20 марта 1888 года стало первым в истории Андреевского оркестра.

В 1888 году в русском обществе развилось широкое увлечение народными инструментами (особенно балалайкой). Появился большой спрос, в связи с которым возникло усиленное их производство мастерами музыкальных инструментов. Стали издаваться школы и ноты.

И до Андреева на балалайках играли. Но это считалось чем-то примитивным, мужицким, этнографическим. Благодаря фанатической настойчивости и таланту Андреева, его неуемной энергии балалайка не только стала уважаемой, но и будет основой оркестра.

 Андреев, несмотря  на непонимание, злобное недоброжелательство,  на финансовые затруднения, вывел  народные инструменты в большое  искусство. Вот в этом - его  подвиг. В этом - его великое дело.

Андрееву приходилось  много сил тратить даже на то, чтобы объяснить, что инструменты  эти исконно русские. Тем же авторам  энциклопедии Брокгауза и Ефрона, которые иронизировали, что оркестр великорусский, а инструменты не русские, а татарские. Русские они, самые что ни на есть русские - пишет Андреев одну за другой статьи, доказывая это.

В России заслуги Андреева признали в полной мере только после  огромного успеха Великорусского оркестра за границей. Триумфальные гастроли в Англии, во Франции, в Германии, в Америке. Во Франции Андреева наградили орденом Почетного легиона и золотой медалью. В Америке в 1911 году выпустили грампластинку с записью Великорусского оркестра. Кстати, в этом же году в оркестре Андреева впервые выступил с соло на балалайке десятилетний Ника Осипов, будущий знаменитый музыкант, имя которого носит оркестр народных инструментов имени Н.П. Осипова.

Название оркестру - Великорусский - Андреев дал по составу инструментов, принадлежащих к средней и северной полосам России, то есть к Великороссии, или древнему государству Московскому. Была ведь еще Малороссия - это юг, окраина (Украина) России. Была еще Белая Русь.

Осенью 1912 г. Андреев проехал  с оркестром по западной, южной  и центральной России. Всего себя он отдал музыке. Своей семьи у  него не было, всю жизнь Василий  Васильевич прожил с матерью.

В ночь с 24 на 25 декабря 1918 г  В.В.Андреев после продолжительной болезни умер. Похоронили его на Тихвинском кладбище в Александро-Невской лавре (Санкт-Петербург).

В 1923 году Великорусскому оркестру было присвоено имя В.В.Андреева. Насчитывается около 40 произведений В.В.Андреева для балалайки и фортепиано. Благодаря В.В.Андрееву в настоящее время имеется балалайка от тона контрабаса до пикало.

Василий Васильевич любил  Тверской край, старался, чтобы земляки  его владели балалайками и  домрами, помогал организовать ансамбли народных инструментов. Постоянно поддерживал  коллектив в Бологом – оркестр, сформировался еще 1898 году.

В Твери традиции, основанные В.В. Андреевым в обучении на народных музыкальных инструментах, продолжают музыкальные школы, музыкальное  училище им.М.П. Мусоргского, культпросвет училище им. Л.Н.Львова, Университет.

Василий Васильевич несмотря ни на какие трудности вывел народные инструменты в большое искусство. И в этом – его подвиг. В  этом его великое дело!

Лемешев Сергей Яковлевич

Сергей Яковлевич Лемешев  родился 10-го июля 1902 года в деревне  Старое Князево Новоторжского уезда Тверской губернии в бедной батрацкой семье. В деревне, где, как он вспоминал, "разве что глухонемые не поют".

Певческий дар он получил  по наследству - и мать и отец будущего великого тенора были очень одаренными людьми. Но свою жизнь с музыкой  Сергей Яковлевич связал не сразу. В 1914 году после окончания четырёхклассной  Князевской школы Сергей уезжает в Петербург учиться сапожному ремеслу. Всё привлекало его в большом городе, но ничто так не волновало воображение, как синематограф, эстрада и театр. Вернулся он на родину в 1917 году.

Сразу же по возвращении  Сергей вступает в артель сапожников в деревне Стренёво. После Петербурга Сергея тянуло к театру. Как раз к этому времени относится открытие в стренёвской школе драматического кружка. Его основателем и организатором и была сельская учительница из соседней деревни Рождество Екатерина Михайловна Прилуцкая.

Первый спектакль, в котором  Сергей выступал, был поставлен по пьесе А.Н.Островского "Бедность не порок". В ней ему досталась роль приказчика Мити.

После революции Лемешев  попадает в дом Николая Александровича Квашнина. В прошлом страстный  театрал, он открыл в своём доме театр. Пьесы, ставившиеся в этом театре, писал он сам. Другие брались из репертуаров  столичных театров. Именно здесь  Сергей впервые услышал музыку великого Чайковского. Знакомство с ней началось с разучивания арии Ленского из оперы "Евгений Онегин". Образ пылкого  поэта до конца жизни будет  его путеводной звездой. Затем были романсы Чайковского, ария Левко  из "Майской ночи" Римского-Корсакова, ария Владимира Игоревича из "Князя  Игоря" Бородина, романс Надира из "Искателей  жемчуга" Бизе и, конечно же, русские  песни.

 Отсюда в студёную  зиму 1919 года ушёл он попытать  своё счастье - выступить в  Твери. С этим городом связано  многое в биографии Сергея  Яковлевича Лемешева. Здесь прошла  его юность, проходило становление  его мировоззрения. Первое упоминание  тверского периода жизни Сергея  Яковлевича относится к его  пребыванию в Тверской губернской  школе советской и партийной  работы. Сюда он был зачислен  в феврале 1920 года и окончил  обучение в марте того же  года.

Учёба в школе была ступенькой для поступления в не менее  известную тогда в Твери Кавалерийскую  школу имени Коминтерна. Сюда Сергей поступил в мае того же 20-го года. Во время обучения в школе Лемешев  выступет в концертах художественной самодеятельности. Всё могло бы ей и закончиться, если бы не знакомство с Николаем Михайловичем Сидельниковым - театральным композитором, дирижёром, скрипачом, пианистом, певцом и педагогом. В 1919 году он дал возможность Сергею публично выступить в клубе III Интернационала. Затем начались регулярные занятия до 1921 года в 1-й Государственной музыкальной школе.

Осенью 1921 года Сергей Лемешев  становится студентом Московской консерватории. В 1925 году он заканчивает консерваторию. Потом - дебют в Свердловском театре оперы и балета, выступления в  русской опере в китайском  Харбине и в Тбилисском театре оперы и балета.

С 1931 года С.Я.Лемешев - солист Большого театра СССР. Его голос - лирический тенор - необыкновенно мягкого и светлого тембра почти сразу снискал популярность и любовь поклонников оперного искусства. Тем не менее, Лемешев был большим тружеником и тщательно работал над каждой оперной партией. А их было много: Ленский ("Евгений Онегин"), Берендей ("Снегурочка"), Звездочет ("Золотой петушок"), Индийский гость ("Садко"), Владимир Игоревич ("Князь Игорь"), Боян ("Руслан и Людмила"), Герцог ("Риголетто"), Альфред ("Травиата"), Альмавива ("Севильский цирюльник") и другие.

 Лемешев был также  непревзойденным камерным певцом  и спел все романсы Чайковского  в цикле из пяти концертов.

С.Я.Лемешев скончался 26-го июня 1977 года на 75-м году жизни, похоронен на Новодевичьем кладбище.

В середине восьмидесятых  на родине Сергея Яковлевича Лемешева, в деревне Князево, был открыт музей, экспозиция которого рассказывает о жизни и творчестве артиста.

Музей Лемешева является филиалом Тверского областного государственного объединённого историко-архитектурного и литературного музея.

Музыкальное воспитание в русской школе 20-го века

Первая русская революция 1905 года дала толчок многим прогрессивным  начинаниям в разных областях общественной жизни, в том числе и в музыкальном  просвещении. Началась активная организация  различных музыкальных обществ, курсов, учебных заведений.

Изменение политической ситуации повлияло и на школу. Старая система  обучения была разрушена, немало оказалось  утеряно. Идея же о необходимости  всеобщего эстетического, в том  числе – музыкального, воспитания закрепилась и продолжала развиваться.

Вместо учебных заведений  различных типов издавалась единая трудовая школа, где готовили «активных  строителей коммунистического общества, людей всесторонне развитых». Музыка стала обязательным предметом. В Народном комиссариате по просвещению (Наркомпрос) действовал Музыкальный отдел. Луначарский подписал постановление «О доступе народных учителей в специальные музыкальные учебные заведения». Дореволюционные передовые идеи музыкантов-педагогов (С.И. Танеева, Б.Л. Яворского. Н.Я. Брюсовой, В.Н. Шацкой и др.) были поддержаны. Для разработки содержания, методики музыкального воспитания, создания учебных пособий, подготовки учителей Наркомпрос привлек Б.В. Асафьева, В.Г. Каратыгина, Н.Я. Брюсову, Н.Л. Гродзенскую и др.

Известный до революции хоровой  деятель Н.М. Ковин в 1919 году так сформулировал в своей статье цели музыкального воспитания в новой школе:

- развитие способности  воспринимать музыку и возможно  интенсивнее переживать возбуждаемые  ею эмоции;

- развитие необходимых  как для этого, так и для  воспроизведения в той или  иной форме музыкальных произведений  музыкальных способностей и умений;

- освоение нужных для  этого знаний.

В первых программно-методических материалах отметался формализм, указывалось  на необходимость творческого развития детей, музыка должна раскрепощать их, вносить радость в их жизнь.

Коренная логика старой системы  образования отразилась прежде всего  на уроке. Сохранив форму, он резко изменил  свою цель и содержание: изменились цели «старых» видов деятельности (пение, изучение музыкальной грамоты) –  помочь детям войти в мир музыки; появились новые виды деятельности с аналогичной целью (слушание, движения под музыку, творчество; хоровое  пение стало рассматриваться  как путь творческого развития, более  глубокого постижения музыки через  собственное исполнение, воспитание «слушателя»; в содержание занятий  музыкальной грамотой стали вводиться сведения о средствах музыкальной выразительности, характере музыки.

В 20-е годы шла интенсивная  борьба старого и нового во всех областях жизни, и в том числе  – образования. Влияли педагогические теории и методы: идеи «комплекса (глубина, жизненность, многогранность знаний), «метод проектов», «бригадно-лабораторный метод». Было немало ошибок. На «музыкальном фронте» действовали масса организаций, где причудливо переплетались положительные  и отрицательные черты. РАМП (Российская ассоциация пролетарских музыкантов); АСМ (Ассоциация современных музыкантов); ОРКИМД (Организация революционных  композиторов и музыкальных деятелей); ОМОЛОКО (Организация молодых композиторов) и мн. др.

30-е годы. В 1932 голу вышло  постановление ЦК ВКП (б) «О  перестройке литературно-художественных  организаций». После него в программах  этих лет заметны попытки связать  задачи воспитания и обучения. Но заметны и крены то в  одну, то в другую сторону. В  начале особенно сторону обучения. В эти годы место музыки  сократилось (от 2-х часов в  неделю во всех классах, до 1 часа в 1 – 7 классах к 1937 году).

В это время распространилось мнение, что музыкой надо заниматься преимущественно во внеклассное  время и лишь тем, кто хочет  и имеет способности. Внеклассная  же и внешкольная работа развивалась  интенсивно. Создавались Дома художественного  воспитания детей, увеличилось число  Домов и дворцов пионеров и  т.д. К участникам предъявляли высокие требования, наметилось стремление к профессионализму. Появились замечательные детские художественные коллективы (хор под руководством В.Г. Соколова).

Задачи, репертуар, методы стали  переносить и в школу. Это оказалось  непосильным для всех учащихся. Стремление же поднять уровень хоровой культуры привело к его снижению, а также  к массовым болезням голосового аппарата (показали специальные обследования детей). Была выдвинута проблема охраны и развития детского голоса. Началась разработка новых программ по музыке. Обеспечивающих всестороннее музыкальное  развитие школьников. В 1940 году вышел  проект, но его не успели опубликовать.

40-е годы. В годы войны  музыка в школе официально  была сохранена в начальных  классах. Ее вели учителя-неспециалисты  (учителя начальных классов). Это  отразилось на состоянии музыкального  воспитания в целом: оно стало  необязательным и второстепенным, руководство школ не несло  ответственности за его отсутствие. Музыкальная работа по возможности  велась во внеклассное время.  И, несмотря на то, что тяга  к музыке в те годы была  очень сильна, встречи с ней  были бессистемны. Так продолжалось  и после войны.