Женская красота в живописи Ботичелли, Леонарда да Винчи, Рафаэля и Тициана: сравнительный анализ

Наконец, последний персонаж картины—Меркурий (крайняя фигура слева). Достойный спутник Граций, поскольку он божество разума и красноречия, изобретатель искусств. Но самое главное то, что в древнеримском календаре Меркурию был посвящен весенний месяц май. Он назван так в честь матери Меркурия — Майи. Этот месяц считался концом весны и началом лета. Может быть, поэтому Меркурий, служащий в картине символом мая, повернут спиной к другим весенним божествам.

Мир, изображенный на картине Боттичелли, необычен и загадочен. Сказочные  деревья уже покрыты спелыми  плодами, а луг еще только пестрит  весенними цветами. У каждой фигуры «Весны» свой горизонт. Мы смотрим  на них то чуть сверху, то чуть снизу. Может показаться, что некоторые из них стоят на склоне холма, но в другую минуту луг под ногами кажется ровным. А между тем просвет среди деревьев, волнообразной полосой проходящий через всю картину, в правой части ее показывает небо там, где мы ожидали бы видеть продолжение поверхности луга. Похоже, что Боттичелли сознательно отказывается от достижений ренессансной перспективы ради создания атмосферы взволнованности и пафоса.[2,с.40].

Композиционный ритм «Весны» частый, сдавленный. Художник волнообразно расположил ряд фигур, то сдвинув их тесно, то увеличив интервал, окружив темным фоном зелени и создав еще второй, дробный ритм цветов и орнаментов. В линиях контуров и складок преобладают  довольно крутые диагонали, поднимающиеся  влево, и почти нет горизонталей.[2,с.42].

У большинства фигур взгляд и  жесты разобщены, словно они показаны в момент, когда прежнее движение еще продолжается по инерции, а внимание переключается на новый предмет. Так, например, средняя Грация еще  движется в хороводе подруг, но уже  забывает о нем, погруженная в  созерцание Меркурия. Кажется, что движения и жесты в картине забыты в  тот же миг теми, кто их совершает, или теми, к кому они обращены. Мгновения, как и линии, перекликаются  между собой, но не связываются, а  разобщаются. Отсюда настроение глубокой созерцательности, благодаря которому входит в картину тема более важная, чем положенная в ее основу аллегория,—  тема духовной жизни.[18].

 Некоторые искусствоведы полагают, что картина должна была укрепить  в подростке привязанность к  тем нравственным идеалам, которые  внушали ему воспитатели. Венера  в боттичеллиевской «Весне» скорее всего символизирует не просто любовь и красоту, а «гуманитас» — достойную принадлежность к человечеству, человечность. Тут полезно напомнить, что слово «грация» относится в итальянском языке не только к красоте, но и к доброте, милосердию.[2,с.48].

А еще хочется сказать немного и о таких сторонах содержания «Весны», которые были ясны лишь наиболее образованным современникам художника. Боттичелли дважды показал на картине Флору-Хлорис. Но это не единственное повторение в картине. В XV веке в Грациях видели три разных проявления единого божества — Венеры; считали, что Грации — это она сама. Ученые много спорят об именах и различиях Граций у Боттичелли; оказывается, что одну из Граций в XV веке итальянцы часто называли «Вердура» (зелень, молодость). Не правда ли, похоже на перевод имени Хлорис? Венеру некоторые поэты прямо отождествляли с Флорой. Что касается Меркурия, то он, кроме всего, считался богом ветра и в этом качестве назывался Зефиром. Итак, в композиции из восьми фигур показаны лишь два обобщенных поэтических символа: один, олицетворяющий ветер, дух, разум, другой — любовь, природу, цветение.[2,с.53].

                      Сандро Боттичелли «Рождение Венеры» (1482-1483)

 Знаменитая картина художника  Сандро Боттичелли «Рождение Венеры». Размер работы 172,5 x 278,5 см, холст, темпера. Картина написана по заказу Лоренцо ди Пьерфранческо Медичи, для которого исполнялась и «Весна». Картина была предназначена для украшения все той же виллы Кастелло. По-видимому, они мыслились как парные композиции, и между ними существовала определенная связь. [18].

Картина изображает рождение небесной Венеры из пены моря, или таинство явления  в мир Красоты. Под дуновением Зефира, проносящегося над морским  пространством в объятиях своей  возлюбленной Ауры, богиня приплывает на раковине к берегу. Ее встречает  Ора, готовая накинуть на нагое тело Венеры плащ, расшитый цветами. Если «Весна» ассоциируется с праздником в царстве богини любви, то эта композиция представляет  богоявление.  Как обычно в живописи Боттичелли, приподнятость чувств здесь граничит с меланхолической задумчивостью, рождая эмоциональную атмосферу, пронизанную светом. Все в композиции несет на себе отпечаток субъективного мира художника.

Боттичелли выразительно передал  стихию ветров, веющих над водами. Клубящиеся одеяния, линии, которыми написаны волосы и крылья — все это исполнено  динамического порыва, олицетворяющего  один из основных элементов вселенной. Ветры — Зефир и Аура — зримо  колышут водный простор. В отличие  от ветров, чья стихия — воздух, пространство Оры — земля. В белом платье, расшитом васильками, украшенная гирляндами из миртов и роз, она, стоя на берегу, готова окутать Венеру плащом, красный цвет которого символизирует любовь. Два боковых крыла композиции — пролетающие ветры и Ора, чей объем зримо увеличивают платье, колеблемое ветром, дерево и плащ Венеры, — это нечто вроде завесы, которая, распахнувшись, представила миру таинство явления Красоты. В картине «Рождение Венеры» удивительно точно найдена каждая деталь, а композиция в целом оставляет впечатление совершенной гармонии. Натянутыми, порывистыми и мелодичными линиями, выводящими сложную арабеску, художник очерчивает фигуры и более обобщенными контурами обозначает окружающую среду. Видна лишь узкая полоска берега, а остальное место занимают светлое сияющее изнутри небо и море. Венера — едва ли ни самый пленительный образ у Боттичелли. Художник дает собственное истолкование классического идеала красоты.[2,с.70].

Боттичелли изображает фигуру с  изящно покатыми плечами, маленькой  головкой на великолепной длинной шее  и вытянутыми пропорциями тела и  певучими, плавными очертаниями форм. Неправильности в передаче строения фигуры, в фиксации ее контуров лишь усиливают замечательную экспрессию образа. В лице богини также заметны  отступления от классической правильности, но оно прекрасно и притягательно  своей трогательностью. В выражении  его отсутствует определенность, так же как лишена устойчивости поза богини, только что пришедшей в  мир. Глаза Венеры смотрят слегка удивленно, не останавливаясь ни на чем. Голова увенчана роскошным каскадом золотистых волос. Следуя древнеримским  поэтам, Боттичелли изображает волосы, разделенные на пряди и колеблемые морским ветром. Это зрелище очаровывает. Стыдливым жестом Венера прикрывает тело. Чувственный облик прекрасной богини любви и красоты художник наделил чистотой и почти сакральной возвышенностью. Дождь роз, мерно  ниспадающих в море, передан ясным  языком линий и цвета. Боттичелли не ищет научно выверенной точности их очертаний и форм. Восхищение красотой цветка диктует ему простые и  изящные контуры бутонов и  раскрытых роз, повернутых в разных ракурсах. Их нежная окраска, хрупкость строения и ритм этого тихого дождя из цветов подчеркивает эмоциональную тональность композиции.[2,с.72].

                  Леонардо да Винчи «Мадонна Литта» (1490-1491)

Картину «Мадонна Литта» художник Леонардо да Винчи написал в начале 90-х годов 15-го столетия. Размер картины 42 x 33 см, дерево, темпера. В картине «Мадонне Литта» — в произведении итальянского живописца иного, более камерного характера нежели ранние работы, отчетливо выразились элементы нового искусства эпохи Высокого Возрождения. Общий замысел картины восходит, бесспорно, к самому мастеру, что подтверждается его собственноручным рисунком женской головы для головы мадонны, хранящимся в Лувре, и той особой красотой композиционного решения, которая в те годы была недоступна никому, кроме Леонардо да Винчи.[2,с.69].

 Однако живописное исполнение картины менее совершенно. Это связано, по-видимому, с тем, что в работе над картиной принимал участие ученик Леонардо Амброджо де Предис. Картина «Мадонна Литта» по своему типу напрашивается на сравнение с «Мадонной с цветком», в сопоставлении с которой становится особенно наглядным решающий качественный скачок, который произошел в творчестве Леонардо да Винчи.[5,с.25]

 Композиционное построение  картины отличается поразительной  четкостью и совершенством. Достаточно  обратить внимание на то, как  красиво до предела обобщенный  и в то же время живой  силуэт фигуры мадонны сочетается  с геометрически строгими очертаниями  двух симметрично расположенных  оконных проемов или как безошибочно  точно, но в то же время  естественно ее голова помещена  в простенке между этими окнами. Мягкая лепка ее лица выигрывает  от контрастного соседства с  голубым небом, видимым в просвете  окон.

Чувство радости материнства в  картине «Мадонна Литта» углубилось благодаря содержательности самого образа Марии — в нем нашел свое зрелое выражение тип леонардовской женской красоты. Тонкому прекрасному лицу мадонны особую одухотворенность придают полузакрытые глаза и едва уловимая улыбка — кажется, что она улыбается своим грезам. Картина «Мадонна Литта» написана художником не маслом, а темперой — ее лучшей сохранностью объясняется, вероятно, несколько более интенсивное, чем обычно у Леонардо, колористическое созвучие подбитого золотистой подкладкой синего плаща (более светлым отголоском которого воспринимается голубое небо с легкими облаками) и насыщенно красного платья мадонны. [5,с.68].

           Леонардода Винчи «Джоконда» (Мона Лиза)  

Будучи высшей точкой, вершиной творчества Леонардо, это полотно является как  бы кристаллизацией его гения, сокровенных  мыслей и вдохновения. О Моне Лизе известно очень мало, кроме нескольких незначительных фактов, и потому трудно ответить на очень важный вопрос, часто  задаваемый и обсуждаемый: была ли она  просто красивой моделью для Леонардо или же она была его музой и  даже любовью, во что многие хотели бы верить. Есть некоторые факты, подтверждающие правильность последнего предположения, и это, возможно, объясняет особое волшебство картины. Но какова бы ни была правда, какой замечательной, должно быть, являлась она личностью, если сумела вызвать все лучшее в этом гиганте Ренессанса. Она помогла этому гению оставить потомкам уникальный шедевр, вдохновляющий тысячи и тысячи людей на протяжении веков. [5,с.69]

Огромное воздействие окружающих людей на художников слишком хорошо известно, даже если сами эти люди оставались в тени. Взаимодействие личностей  модели и художника, особенно если их связывают взаимная симпатия и влечение, часто приводит к созданию шедевров.[5,с.69].

 В данном случае Моне Лизе  было дано пробудить в Леонардо  такое вдохновение, что он создал  одно из прекраснейших сокровищ  мира. Бессмертный ореол, окружающий  все творения этого величайшего  гения, подтверждают его собственные  слова: "Если человек добродетелен, не прогоняйте, а почитайте его,  чтобы у него не было причин  оставить вас. Если вы встретитесь  с такими людьми - почитайте их, так как они Боги на этой  Земле и достойны такого же  поклонения, как священные статуи  и образы". Хотя до сих пор  ведутся споры о том, чей  же образ мастер запечатлел  на своем полотне. Общепринятым  считается мнение, что прототипом  изображенной на портрете женщины  является жена флорентийца Франческо ди Джокондо, чье имя - Мона Лиза - стало вторым, обиходным, названием картины. [2,с.21].

Портрет Моны Лизы - вершина творчества Леонардо да Винчи. По сравнению с предыдущими портретами данная работа намного более совершенна. Впервые за всю историю живописи портретный образ выполнен столь же значительно, что и образы других живописных жанров. Поразительна художественная глубина произведения. Техника написания портрета доведена мастером до совершенства.

Пристально, неотрывно смотрит  Джоконда на зрителя. Ее спокойный взгляд излучает ум и волю. Улыбка Джоконды необычайно притягательна, обворожительна, маняща. Она не просто улыбается, а  интригует зрителя. Улыбаясь, Джоконда не выказывает пренебрежения или  превосходства, просто она спокойна, полна самообладания и уверена  в себе. Сила человеческой личности, единство духа и разума - вот одна из особенностей леонардовского портрета. От Джоконды исходит ощущение внутренней свободы, душевной гармонии, сознания собственной значительности. [18].

 Пейзаж, открывающийся за спиной  Джоконды, выполнен в светлых  тонах и словно является продолжением  ее образа. Фигура девушки гармонично  сливается с окружающим природным  ландшафтом, что помогает выразить  основную идею картины: внутренний  мир человека многогранен, прекрасен  и необъятен, как и мир природы.  Однако человеку не суждено  полностью познать окружающий  его мир. Возможно, именно эти  тщетные попытки человека проникнуть  в сущность всего живого и вызывают на устах Джоконды ее знаменитую улыбку. Современники Леонардо были поражены достигнутым сходством, необыкновенной жизненностью портрета. [5,с.71].

Иногда кажется, что можно почувствовать дыхание Моны Лизы, если приблизиться к ней. На самом деле значение этой работы гораздо более широко: портрет Джоконды можно рассматривать как образ человека эпохи Возрождения. Представим, что Джоконда исчезла, осталась только ее загадочная улыбка... И даже если предположить, что исчезла вся цивилизация, а сохранилась лишь улыбка Моны Лизы, волшебная сила ее могла бы вновь возродить человечество. [2,с.30].

 Завершив работу над портретом  Джоконды, автор уже не расставался  с ним. После его смерти картина  перешла к королю Франции Франциску  I, который поместил ее в своем  дворце - Лувре, где она находится  до сих пор. Джоконда и сейчас  дарит людям свою загадочную  улыбку, заставляя задуматься о  необъятности нашего мира, о жизненных ценностях и приоритетах, о гармоничном слиянии человека с природой и искусством.

                                  Рафаэль«Сикстинская Мадонна»

Является одним из известнейших произведений итальянского Ренессанса. Полотно было создано Рафаэлем в 1512—1513 годах для алтаря церкви монастыря Святого Сикста в Пьяченце по заказу Папы Юлия II в честь победы над французами, вторгшимися в Италию и присвоения Пьяченце статуса Папской Области.[18].

На картине изображены Мадонна  с младенцем в окружении папы Сикста II, носящего сходство с Папой Юлием II, Святой Варвары, и двумя ангелочками внизу, под Мадонной глядящими снизу вверх на её схождение. Фигуры образуют треугольник, поднятый занавес лишь подчёркивает геометрическое построение композиции.[3,с.19].

Святой, у ног которого изображена папская тиара, подчёркивающая его  высокий сан, указывает своей  рукой в сторону наблюдателя, и Мадонна с младенцем смотрят  в указанном им направлении, в  то время как Святая Варвара склонила голову. Первоначальное место картины  было перед большим распятием, поэтому  выражения лиц и позы фигур  на картине обусловлены их чувствами  при виде страданий и смерти Христа.[2,с.75].

Предполагают, что моделью для  Мадонны послужила возлюбленная Рафаэля Форнарина. Кажется, что Сикст Второй, папа римский, изображён Рафаэлем на картине с шестью пальцами на правой руке, поскольку он Сикст, то есть на латыни Шестой. На самом деле кажущийся «шестой палец» («мизинец») является частью внутренней стороны ладони.[18].

Два ангелочка, изображённые на картине, являются мотивом многочисленных открыток и плакатов. Некоторые искусствоведы утверждают, что эти ангелочки опираются на крышку гроба.[3,с.71].

У левого ангела внизу картины видно  только одно крыло. Если внимательно приглядеться, то можно увидеть, что фон из светлых облаков в верхней части картины состоит из лиц и голов ангелов.